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Marc Petit - L'ange du Levant
Le créateur est traversé par une force
sur laquelle il imprime une destinée.
Sa volonté, c’est de donner la forme.
Boris Lejeune
Créer suppose un acte non fortuit issu d’une attention à soi et au monde. Au-delà de la question des capacités et des dons personnels, créer nécessite le plus souvent une mise au travail, une insistance, une obsédante persévérance qui engage l’être dans un processus très envahissant et dans des enjeux insoupçonnés. Le mythe de l’artiste fou et alcoolique aux prises avec son génie créateur témoigne de l’aventure singulière et fascinante de celui que l’on considère culturellement comme un démiurge importun. Cela nous éloigne d’une réalité vérifiée[1] : créer est une affaire de travail dans l’engagement d’un métier, que ce soit le métier d’artiste mais aussi tout autre où l’invention est requise.
L’ouverture à soi et au monde permet qu’affleure un matériau disponible, une ‘matière psychique’ emplie d’impressions sensorielles mais aussi de pensées, de rêves et de fantaisies. La mise au travail dans le processus de création nécessite de s’entrouvrir et de laisser émerger cet imaginaire qui va générer un flux de trouvailles, d’images, de mots, de notes, d’esquisses ou de mélodies. Le créateur apprend à moduler ce processus : il peut le convoquer dans une activité quotidienne ou un effort concentré et le mettre en veille pour un repos indispensable. A chacun son rythme, allant des horaires de bureau à la période intensive oubliant le jour et la nuit pour se mobiliser exclusivement sur l’émergence et l’élaboration d’un projet. Il y fait suite une période réfractaire nécessaire à la reconstitution des forces et d’un équilibre psychique. Cela ne pose pas de problème à l’artiste qui peut adapter sa vie à son rythme de création mais devient plus délicat lorsque le créateur vit au sein d’une entreprise contrainte à un rythme classique et pas toujours réceptive à cette nécessité de l’élaboration créative.
Afin de comprendre les enjeux du processus de création, un schéma dynamique permet de mieux se représenter les dispositifs neuropsychiques à l’œuvre, soit une structure métamorphique molle et poreuse à l’origine de la richesse des échanges de l’être humain avec ses perceptions, son corps, ses inscriptions archaïques et le monde dont il reçoit les messages permanents et qu’il marque de son empreinte en tentant de le maîtriser. Ce schéma permet également de suivre l’élaboration d’un ‘produit’ du psychisme jusqu’à l’objet créé.
Depuis la vie fœtale jusqu’à la mort, les empreintes perceptives inscrites dans ce moteur mou[2] participent à la construction permanente de l’être, de son image du corps jusqu’à la conscience de soi et la capacité de produire des fantaisies[3], des objets et des concepts.
La richesse de ces empreintes dépend intimement de celle des perceptions originaires, culturelles et transgénérationnelles, mais aussi d’évènements et parfois de traumatismes qui vont enrichir ou ébranler l’être et sa structure. Enfin, les impressions actuelles permanentes, choisies ou imposées, vont pénétrer ce système métamorphique grâce à la porosité de l’être humain ouvert au monde par nécessité.
Ces perceptions génèrent des empreintes inconscientes ou accessibles à la conscience. Une mémoire va se constituer et participer à la production, au sein de cet agencement interne, de représentations psychiques donnant à l’être sa capacité d’exister. Cette production nécessite une transformation et une liaison de ces impressions et perceptions, qu’elles viennent du monde ou du corps. Le déroulement en est principalement inconscient.
Le ‘moteur mou’ est une machine à produire de l’imaginaire en lui donnant la certification d’une inscription symbolique dans un langage et dans des codes culturels : langue, graphe, musique, forme et geste. La création, qu’elle soit artistique, technique ou mathématique, va extraire de soi un objet inscrit dans ces codes au risque de s’y sentir à l’étroit. Ces codes, dans la diversité des cultures et de leur histoire, ne sont heureusement pas des carcans inflexibles. Le créateur est de ceux qui les travaillent et imposent une évolution culturelle.
La représentation est donc un contenu inconscient qui prend forme et donne forme. Ces multiples formes ne sont ni stables, ni immuables ; et de plus, elles ne cessent de s’intriquer. De formation en transformation et en liaison, les métamorphoses impriment une singularité qui bouscule, au cœur de l’être, la contrainte de la forme canonique.
La créativité humaine tient à l’originalité de cette production continue inscrite dans le développement de l’être dès sa naissance. La capacité créative de l’enfant se construit à mesure qu’il conquiert son espace propre. Sa capacité à exister en dépend, qu’il s’agisse de survivre dans des conditions extrêmes ou de démêler des rapports humains. Plus cette capacité créative est favorisée et développée, plus l’individu sera capable d’agir sur la culture et d’en maîtriser la donne.
Toutefois, l’accès à la conscience de ce matériau psychique complexe est généralement entravé. Celui-ci subit un encryptage le rendant en grande partie inaccessible, ce qui ne veut pas dire inactif. En effet, les représentations sont chargées d’une force émotionnelle dont nous percevons l’expression dans les affects qui s’expriment en fonction des situations que nous vivons. Liés et contraints, ces affects vont tout de même imprimer une tonalité sensible sur la perception et l’action humaine. Déliés lors d’un évènement répétant l’inscription première, ils vont alors libérer leur charge pulsionnelle. Cette déliaison, vécue par l’individu comme incongrue et inconfortable, oblige à réintroduire cet affect dans une nouvelle représentation élue par contiguïté et pour sa capacité d’absorption. L’adaptation aux situations passe par ce réagencement parfois insolite qui peut produire des comportements surprenants : bizarreries, phobies, compulsions...
L’accès à la conscience offre donc des associations singulières, et le créateur peut s’en saisir pour produire un objet dont il n’a pas la clé. L’affect, notamment, est capable de générer une forme originale ou d’en caractériser la tonalité sensible.
Réprimées ou accessibles, stables ou précaires, élaborées ou fragmentaires, les représentations mettent en forme un contenu, véritable nœud de la création, dont il est nécessaire de préciser les caractères.
L’image en est le vecteur principal. Elle est culturellement privilégiée car elle se prête à la construction et aux métamorphoses rassemblant des expressions sensorielles impossibles à exprimer autrement : une odeur si évidente et pourtant impalpable et indescriptible, une mélodie fugace, le grain d’une voix, un toucher à la texture envoûtante et familière.
Ces sensations agencées en représentations inconscientes plongent souvent dans des références archaïques et complexes face auxquelles notre capacité d’expression est désarmée et doit user de mots et d’images décevantes et imprécises mais qui ont le mérite d’offrir une issue expressive.
Créer suppose de s’attarder à ce qui reste en friche pour le commun des mortels et d’être à l’écoute de ses représentations sensibles, inaccessibles au souvenir conscient, étranges et pourtant si familières. Il s’agit de transformer en représentation visible et palpable une secrète inscription au plus profond de soi.
Dans leur profusion, les images et leurs références langagières supportent la culture. Les créateurs sont emplis, qu’ils le veuillent ou non, de cet immense catalogue en perpétuel remaniement. Ils l’enrichissent volontairement par leur formation et leur recherche. L’émotion esthétique est en partie indexée à ces images-symboles d’une culture partagée, icônes qui transmettent un contenu artistique et signifiant fondamental. Chacun s’en saisit délibérément ou inconsciemment en y puisant une force, un rythme et des formes indissociables de son fond propre. Les créateurs ne sont jamais des ‘électrons libres’ indemnes de tout héritage culturel, quand bien même ils le renieraient. Certains savent mieux que d’autres utiliser et identifier ce patrimoine.
Prenant distance avec l’émergence immédiate et fragmentaire du sensible et de l’émoi, les créateurs travaillent à une élaboration de la forme et du sens donnant au matériau psychique une consistance et une possibilité d’expression décuplée. Ils transfigurent leurs représentations primordiales en les confrontant aux références culturelles. S’il y a progrès, il dépend de cette opération mutante. Naissent alors des ébauches où les données sensibles et l’empreinte du désir déterminent des figures complexes. Odeur, note, pictogramme, texture, intonation peuvent alors bénéficier de constructions psychiques donnant corps à des mélodies, des images olfactives, auditives, gestuelles et visuelles.
À mesure de cette construction, l’image, devenue figure polysémique, s’intrique au langage. La représentation élaborée peut alors contenir la traduction du monde sensible et du corps désirant par la voie dynamique du fantasme inconscient où mots et images ne peuvent plus être dissociés. Cette construction spécifiquement humaine sera à l’origine de l’objet créé.
La force d’un créateur témoigne de sa capacité d’accès à ces potentialités de formes et de sa détermination à rester ouvert à soi et au monde pour en convoquer les richesses.
Ces agencements d’images et de mots constituent la source de production de tout ce que l’humain est en mesure d’extraire de son être : rêve, fantasme, idée, invention, objet, parure mais aussi symptômes dérangeants le corps et le psychisme.
Supposons ce ‘moteur mou’ du processus de création mobilisant un ensemble de rouages improbables qui transforment les représentations psychiques dans un processus dynamique inconscient. Le mouvement vers la conscience va permettre au créateur de ‘se présenter’ ces agencements internes. Les rouages assemblent, métamorphosent, contractent, condensent ce matériau naissant à la forme. Le créateur est alors face à un rébus qui impose tout en la masquant la substance de son être pensant et désirant. Le plus souvent, il ne cherche pas à savoir ou à comprendre mais il se trouve dans la nécessité d’exprimer ce qui émerge de son corps et de son psychisme. Il va donc s’attarder à ces transformations complexes qui permettent de construire un ‘objet’ matériel ou immatériel. Il donne vie et accès public à un nouveau monde, le sien, produit à l’interface de sa culture.
Cette étape essentielle dans le processus de création va permettre à la représentation, chargée de l’intentionnalité du désir, d’acquérir une force et une détermination à ouvrir sa voie vers la conscience ou le geste. Mais le créateur devra compter avec une autocensure limitant l’incongruité des représentations exprimées. La raison et la morale incarnées dans un surmoi[4] plus ou moins contraignant restreignent les provocations d’un désir parfois aussi impérieux que dérangeant.
Paradoxalement, ces entraves, renforçant la pression du désir, stimulent la production des plus inconvenantes transgressions comme le montrent certaines audaces de l’art actuel ne renonçant à aucune subversion et visant même à en faire le cœur de l’acte créatif.
La capacité créative, fonction vitale, mobilise des enjeux essentiels et parfois embarrassants en chacun de nous. Les créateurs apprennent à l’utiliser dans une maîtrise et une continuité en veillant à ne pas s’épuiser et surtout à ne pas racler en permanence le fond de leur être au risque de l’angoisse et même de la folie. Ils usent le plus souvent d’un espace d’attente subconscient[5] où l’esquisse de leur création va puiser les représentations intimes et violentes ayant subi une neutralisation émotionnelle préalable.
Cet espace d’attente impose une nouvelle liaison des représentations psychiques et une détermination du créateur centrées sur la préoccupation et la recherche artistiques. Cette médiation devient le lieu d’un acte réel et conscient qui a pris ses distances avec les fantasmes et les éventuels traumatismes à l’origine de la nécessité de créer. Le créateur réussit ainsi une élaboration tout en évitant l’égarement et l’angoisse aux prises avec d’obsédantes répétitions mortifères. Ses productions n’en perdent pas pour autant leur force et leurs qualités expressives.
« L’image est à tel point ancrée en moi qu’elle devient exclusivement un problème de peinture. Il s’agit de la rendre avec les moyens que j’ai, et la rendre la plus efficace possible. Le concept intervient dans l’organisation de l’image, la mise en place, et à partir de là, je place mes éléments, le corps, c'est-à-dire mon arsenal. C’est un va et vient, une approche, le dessin de la pensée à la main. Souvent je déchire jusqu’à trouver. » Vladimir Velickovic[6]
Ce qui est mis en forme et lié dans les représentations abouties peut franchir l’accès vers un acte créatif. Le produit, un ‘objet’ créé quel qu’il soit, gardera entière l’empreinte des représentations singulières constituant la signature de l’être. C’est donc une mémoire unique, à la fois disponible et secrète, que préservent et exploitent les artistes voués à leur création. Ils se maintiennent en ouverture à l’indicible et parfois irreprésentable, ce qui donne leur style.
Il est légitime qu’un créateur ne veuille rien savoir de son acte nécessaire et de la signification de l’objet qu’il crée car il est difficile d’affronter sa part d’ombre et les turpitudes de son inconscient. Le plus souvent, il en donne une interprétation complaisante qui doit se respecter au risque de perdre la faculté de créer. Le dialogue sensible entre créateur et récepteur de l’œuvre est avant tout riche de ce qui ne se dit pas, de ce qui ne se sait pas !
Plus qu’une faculté, c’est souvent une obsession qui amène le créateur à un ‘toujours plus avant’ dans sa quête. Dès qu’un objet est réalisé, il est alors repoussé pour ne pas entraver l’espoir d’approcher toujours plus près de l’œuvre ultime, d’un idéal qui tient à la fois du mythe et de la capacité à exprimer totalement l’ébauche inconsciente dans sa complexité.
Vladimir Velickovic
Les espaces d’attente, emplis de la mémoire vivante du créateur, sont en permanence enrichis des perceptions
actuelles. Cette ouverture de la créativité à l’immédiateté du monde sensible permet que s’opèrent d’infimes décalages dont le créateur est parfois le seul à percevoir la
subtilité.
C’est ainsi que progressent le concept et le geste dans leur réalisation graphique, picturale, plastique, corporelle, musicale ou poétique. S’enrichissant du présent immédiat, l’objet créé se matérialise grâce à une distanciation et une abstraction qui donnent à la représentation intime sa dimension culturelle et parfois même universelle.
De même, l’élaboration d’une pensée souvent intuitive au service de la création progresse en travaillant les questions de forme et de fond : ‘Comment exprimer ce qui est au plus intime de soi ?’ ‘Comment rendre le plus efficacement possible et comment traduire dans un code et une forme ce qui a provoqué une sensation d’un autre registre ? Et enfin, sagesse du créateur, ‘Qu’est-ce que la peinture, la sculpture, la musique, la danse… ?’
C’est donc interroger la culture et la bousculer comme nous le montre la riche aventure de l’histoire de l’art et de l’invention.
Les créateurs vont longuement s’attarder sur ce que leurs aînés et leurs contemporains ont exploré comme voie pour exprimer, rendre et traduire. Leur éveil perceptif, culturel et technique nécessaire aux pratiques créatives ne se limite pas aux premières années d’apprentissage mais agit en permanence sur la conception et la concrétisation d’une oeuvre dans sa continuité sous peine de scléroser et de tarir la création. Pour ne prendre qu’un exemple connu de tous, Vincent van Gogh, dans son apprentissage, a copié fidèlement les tableaux flamands, puis les a interprétés avant de s’en extraire dans un style unique. Mais, au faîte de son art, il a aussi régulièrement repris quelques toiles célèbres de Millet pour y travailler grâce au dialogue pictural, l’espace, la couleur, la lumière et la densité.
Le créateur ne craint pas de copier, de s’inspirer ou de réinterpréter en creusant ainsi un sillon déjà tracé. Il s’inscrit dans l’histoire même lorsque ce dialogue est traversé par une sauvage subversion comme l’ont montré les plus grands créateurs contemporains. Leurs postures parfois radicales, vont agir massivement sur la pensée au travail dans l’acte de création. Cela peut aller jusqu’à nier une position d’artiste, détruire ou déconstruire le tableau, l’académie, la partition musicale, la langue poétique ou le vêtement en ne ménageant aucune convention jusqu’à nous proposer un apparent chaos.
Pourquoi donc une telle détermination à déconstruire et même détruire un héritage ?
Il peut s’agir de décaper son acculturation afin de retrouver l’enfant en soi aux prises avec ses premiers étonnements et ses premières inventions : babil, néologismes, mélodies à deux notes, traits inédits et choix insolite de couleurs issus d’un corps informe ou naissant à sa forme et qui émerge dans la spontanéité d’une expression moins contrainte par les codes de représentation. Le jeu et la création occupent un espace propre qui s’adresse moins à l’autre dans son altérité qu’à l’émoi interne qu’il génère. L’enfant peut répéter inlassablement un acte, un jeu, un dessin. Il s’emplit du pouvoir qu’il acquiert ainsi sur le monde. Cet espace de création entre en résistance lorsque les contraintes éducatives imposent des conventions nécessaires aux apprentissages mais qui peuvent s’avérer stérilisantes au regard de la capacité créative. Il n’est pas rare qu’un parcours universitaire sans faute, libérant de la dette parentale, se solde par une aventure loin des sentiers battus mais si proche d’un secret désir jusque là étouffé.
Il peut s’agir aussi d’un embarras face à une culture si vaste et si chargée. Tout a déjà été dit et fait. Comment libérer le geste et la pensée quand le bagage est si lourd ? Comment serait-il possible de trouver sa propre invention et de lui ménager une place dans des chemins si encombrés ? D’autant qu’il y aura toujours un critique ou un aîné pour vous dire que, décidément, ce n’est pas nouveau. Refusant de plagier autant que d’enfiler les pantoufles des ancêtres, il faut donc tout raser, éventuellement jusqu’au chaos, pour espérer extraire une nouvelle pépite ; faire le vide, et du vide naîtrait une possibilité d’inventer !
Enfin, mais sans être exhaustif, il peut s’agir d’un profond malaise engendré par l’histoire, de la shoah aux désastres de la planète, ou par l’évolution sociale, de la globalisation mondiale à la médiatisation tyrannique.
Le créateur a besoin d’exprimer ce malaise et son désarroi. C’est par un rejet massif des instruments de colonisation sociale qu’il met à mal les codes culturels entachés et entame sa croisade à la recherche d’un monde perdu.
La capacité créative ouvrant à la créativité est avant tout une capacité d’exister et d’être au singulier, soit de mieux vivre en se préservant dans un espace ouvert et peu entravé.
Cette créativité sert l’individu dans son rapport au monde et au désir mais elle a aussi une fonction socio-économique et culturelle fondamentale.
Faut-il distinguer une créativité artistique, aussi inutile qu’essentielle à nos existences, d’une créativité sociale productrice de biens utiles, économiquement profitable mais toujours suspecte d’être cyniquement créative aux fins de vendre toujours plus et d’asseoir un pouvoir économique incontesté ?
L’opposition entre l’art, royaume de l’inutile, et le commerce et les biens, empire du nécessaire, ne tient pas. Ce serait oublier que le désir est amorcé et saisi par l’accessoire et l’artifice, miroir attractif de l’imaginaire. De plus, l’opposition caricaturale empêche de mieux cerner les liens étroits entre art et innovation, entre amour du beau et satisfaction des besoins. Il n’y a pas de création pure comme il n’y a pas d’amour pur car il n’y a pas d’être pur, sans un corps trivial. Refuser cette illusion de pureté permet d’accepter que la plus value de jouissance se trouve autant dans l’objet dernier cri de la technologie que dans l’œuvre d’art.
Créer n’est pas copier et se nourrit de l’invention au risque de déplaire. Mais le marché est là et il faut bien subsister… et pour cela être regardé et acheté !
Certains artistes acquièrent un succès produisant une manne financière conséquente. Le risque est alors de se complaire et de s’aliéner dans une forme et une posture et de se prendre pour soi-même dans une infatuation stérilisante. Créer se résume alors à produire et à breveter une trouvaille déclinée en multiples pour entretenir un commerce des clones. Ceci peut guetter un créateur dès ses débuts et tuer son inventivité.
Cet écueil majeur incite à garder une distance respectable avec le monde marchand de l’art incitant aux petites facilités pour être conforme à ce qui est attendu, à ce qui ne choque pas la bienséance ou au contraire qui doit choquer par nécessité de mode.
Comme me le confiait Gérard Garouste évoquant son succès précoce d’avoir été regardé et acheté par le célèbre marchand américain Léo Castelli : « Je suis tombé à ce moment-là dans le piège de la profession : avec les marchands, ça marche, on gagne sa vie, on croit avoir décroché la timbale. Le succès m’est tombé comme un chaudron sur la tête… J’ai un temps joué la profession, mais heureusement la forme de mon travail m’a empêché d’y rester piégé. » C’est un choix, certes difficile, et non un sacrifice que de maintenir l’exigence du travail créatif malgré les sirènes du succès et les tas d’eurodollars.
Le pari provocant de Salvador Dali, de Marcel Duchamp, d’Andy Warhol et de quelques artistes contemporains a été de situer ce rapport marchand au cœur de l’œuvre dans un dialogue parfois cynique avec le public, dialogue qui permet de désigner le capital comme acteur principal de la création : l’art est argent, l’argent est art.
Ce décret pervers est travaillé par la provocation subversive d’artistes en recherche mais il en est un usage vaniteux et ridicule par certains artistes autoproclamés jouissant de cette offre du n’importe quoi. Alors, comment s’y retrouver d’autant que la prétendue ‘sanction du marché’ comme référence de qualité d’une œuvre est de plus en plus liée à un jeu spéculatif.
La pauvreté et la précarité se conjuguent souvent avec l’insistance de l’engagement. Exposer, s’exposer et vendre sans se vendre suppose une vigilance tant du créateur que des critiques et des instances culturelles agissant théoriquement comme régulateurs éthiques du marché. Le plus souvent, cette régulation est abandonnée au profit des galeries et des boutiques qui, fort heureusement, sont souvent tenues par des passionnés respectueux des créations et parfois des créateurs. Comme l’évoque le plasticien Michel Nedjar : « Jusqu’en 99, je travaillais le week-end aux puces pour vivre. Avec les expositions, j’ai pu vivre de mon travail. Le prix de mes œuvres, heureusement, c’est la galerie qui le fixe. Au début, j’avais honte de vendre mes poupées. C’est scandaleux, le prix qu’elles atteignent. Entre les galeries et l’artiste, c’est difficile. Il y a des passions et des enjeux, mais je n’arrive pas à vendre, et eux le peuvent. »
Comment interviennent ces facteurs complexes inhérents au marché des produits finis dans l’émergence des représentations à l’œuvre dans la création ? Est-il possible de s’abstraire des effets parasites sur l’objet créé ? Se peut-il que ces facteurs agissent comme stimulant et même générant l’invention ?
L’histoire récente de l’expression artistique a vu le support classique décliner au profit d’une prospection inventive usant des innovations technologiques. Le tableau, la sculpture en bronze, la danse, pour ne citer qu’eux, ont laissé place à la performance, la vidéo, l’installation, la non-danse… Il n’empêche que, face à cette tyrannie d’un nouvel ordre établi, certains rebelles ont continué à explorer avec détermination les sillons classiques afin d’en extraire une modernité en acceptant d’être ‘ringardisés’ un temps pour, comme le montre un certain renouveau, être redécouverts et appréciés dès lors que l’effet de mode passant, un tri s’opère dans la création actuelle. Mais combien ont renoncé malgré leurs affinités à défendre une expression qui s’imposait à eux pour se conformer au modèle ambiant !
Comme des dissidents persécutés, certains se montrent sous le manteau l’inavouable petite sculpture, dessin ou tableau dans des écoles d’art qui les bannissent ou contre leurs galeristes veillant à une production conforme à l’air du temps.
Dans ce champ de l’invention créative qui se voudrait libre et sans retenue intervient une sournoise injonction paradoxale contenant en son sein deux propositions inverses propice à générer un effet paralysant et aliénant. Cette injonction paradoxale est une composante essentielle de l’aliénation sociale et individuelle. Elle régit notre monde contemporain où l’emprise légaliste, les convenances, la valorisation mercantile d’un narcissisme de pacotille, l’instrumentalisation des individus, l’homogénéisation des pratiques évaluées et de la pensée préformée confondant savoir et connaissance génèrent des oppositions intenables à moins d’en dénoncer les contradictions. Le processus de désubjectivation de l’individu est masqué par l’illusion d’être unique et de ‘gérer’ sa vie alors que le libre-arbitre se fige et que l’espace propre se restreint. Cela induit une souffrance sociale et psychique et, en cela, le créateur n’est pas épargné.
Un verrou supplémentaire s’ajoute donc à l’émergence des représentations créatives. Au mieux, cet interdit est pensé et intervient dans la démarche consciente du créateur, ne mettant alors pas en péril la singularité de l’invention. Mais souvent il agit de manière inconsciente et renforce ainsi le refoulement de l’imaginaire, produisant alors un symptôme plutôt qu’un objet, soit un objet-symptôme. Plus qu’un écueil, ce verrou s’avère stérilisant.
Au terme de ces considérations, il est à la fois légitime et délicat de parler de créativité au sein de l’entreprise et pas seulement d’intelligence, d’organisation ou de perspicacité. Sans évoquer la créativité de l’entreprise elle-même, hors du champ de cet article, il est tout de même possible d’évoquer les conditions pour que des créativités individuelles s’expriment, si possible en synergie et de façon utile et profitable pour l’innovation congruente à la politique entrepreneuriale.
Il s’agit de permettre à un espace individuel de créativité de se développer sans envahir tyranniquement le champ collectif tout en limitant les effets d’aliénation sociale et individuelle évoqués supra. Des aménagements concrets parfois assez simples à mettre en place peuvent avoir un effet extrêmement bénéfique, par exemple :
Repenser l’espace de travail et d’échange, de la cellule inviolable à l’Agora, afin de faciliter l’ouverture à l’invention, variable selon les individus, selon les moments de vie et les étapes d’une création.
Repenser le temps et le rythme en facilitant les dilatations, diastoles de la création qui ne doivent pas être assimilées à un farniente dilettante ; un pari, certes, mais qui peut s’avérer être le creuset d’une trouvaille géniale.
Faciliter la créativité individuelle en permettant que chacun personnalise son espace de vie au travail afin d’y projeter son espace de création.
Innover dans l’espace partagé qui doit faciliter les échanges, l’expulsion des tensions inhérentes à la création et la référence indispensable à la culture de l’entreprise.
L’incitation à créer ne peut se poser comme injonction mais comme invite et facilitation. La créativité ne se décrète pas ; elle se travaille et s’entretient en ménageant l’espace individuel, les sollicitations et toutes les formes d’emprise et de pression sur le créateur sans pour autant le priver d’un cadre structurant.
La créativité est à priori antagoniste de tout ce qui va dans le sens d’une désubjectivation, des protocoles à la rationalisation du travail en passant par les objectifs et le rendement. Un compromis ménageant les intérêts de l’entreprise est parfois difficile à trouver.
En résumé, il s’agirait de remplacer la ligne de l’entreprise par un champ des possibles et mettre à disposition des créateurs potentiels une interface chaleureuse et valorisante sans pour autant entretenir une complaisance narcissique stérilisante.
Thierry Delcourt – Psychiatre et psychanalyste
Auteur de Au risque de l’Art – Editions L’Age d’Homme 2007
© Thierry Delcourt
[1] Dans un livre publié en 2007 (Au risque de l’Art – Editions L’Age d’Homme), j’ai recueilli les propos issus d’entretiens approfondis avec douze artistes qui ont accepté de parler de leur acte de création en peinture, sculpture, dessin, poésie, photographie, composition musicale et bande dessinée. Le travail de recherche que j’y ai associé a permis de tracer des lignes de force du processus de création. Ce travail se poursuit dans un nouveau livre à paraître : Artiste ; féminin, singulier centré sur des entretiens avec des artistes femmes contemporaines.
[2] L’expression de moteur mou est extraite du Journal d’un génie de Salvador Dali Ed. Gallimard 1996 : « La systématisation la plus rigoureuse des phénomènes et des matériaux les plus délirants, dans l’intention de rendre tangiblement créatives mes idées les plus obsessivement dangereuses. Cette méthode ne fonctionne qu’à condition de posséder un moteur mou d’origine divine, un nucléus vivant, une Gala – et il n’y en a qu’une »
La force d’évocation de ce moteur mou m’a aidé à construire une figure du processus de création et d’en réaliser un schéma qui prend en compte la complexité de l’agencement corporel et neuropsychique des représentations à l’origine de l’acte de création.
[3] Le terme de fantaisie, bien que prêtant à confusion en association à la frivolité, est préféré pour son ouverture sémantique à fantasme devenu inutilisable par sa connotation réductrice autour de l’image sexuelle. Fantaisie désigne le monde imaginaire conscient et inconscient, source d’activité et de production créatrice. Sigmund Freud l’évoque dans Introduction à la Psychanalyse Ed. Payot 1965 : ‘ Il existe notamment un chemin du retour qui conduit de la fantaisie à la réalité : c’est l’art. L’artiste est en même temps un introverti qui frise la névrose… Mais le véritable artiste peut davantage. Il sait d’abord donner à ses rêves éveillés une forme telle qu’ils perdent tout caractère personnel susceptible de rebuter les étrangers et deviennent une source de jouissance pour les autres. Il sait également les embellir de façon à dissimuler complètement leur origine suspecte. Il possède en outre le pouvoir mystérieux de modeler des matériaux donnés jusqu’à en faire l’image fidèle de la représentation existant dans sa fantaisie et de rattacher à cette représentation de sa fantaisie inconsciente une somme de plaisir suffisante pour masquer ou supprimer, provisoirement, du moins, les refoulements.’
[4] Le surmoi est une notion heuristique introduite par S. Freud pour faciliter la représentation des instances psychiques dans une topique où il y associe le moi et le ça. Ce surmoi, agissant comme contrainte de l’être, inscrit la loi comme barrage aux pulsions et comme censure plus ou moins tyrannique. Cette action génère du refoulement, des symptômes invalidants mais aussi des formations réactionnelles à l’origine de grandes actions humaines, source de progrès ou de désastre.
[5] Le terme de subconscient, bien que controversé car entamant de façon imprécise le champ de l’inconscient, constitue une réalité essentielle dans l’acte de création. Il est impliqué dans le geste autant que dans la révélation de l’esquisse. Il constitue un passage lié à l’émergence de l’objet plutôt qu’un espace permanent. Toutefois, l’espace d’attente évoqué par plusieurs créateurs dans ‘Au risque de l’Art’ Editions L’Age d’Homme s’inscrit comme une permanence d’un champ subconscient mettant à disposition les représentations sans les laisser occuper la conscience concentrée sur l’acte et la réalisation de l’objet.
[6] Peintre né en 1935 à Belgrade : il obtient un diplôme d’architecte puis se consacre exclusivement à la peinture et au dessin. Il a reçu de nombreux prix dont celui de la Biennale de Paris en 1965 qui le détermine à se rendre à Paris où il vit et travaille encore actuellement. Sa peinture et son dessin qu’il reconnaît parfois difficiles d’accès, ont marqué notre époque émaillée des guerres dont son pays fut à de nombreuses reprises le terrain, payant un lourd tribut en victimes, souffrances et traumatismes. Il poursuit inlassablement son expression du monde sans envisager une quelconque retraite.
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